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摘要: 社交网络的超音速式的铺展、泛滥影像的去真实化的迷幻力量,共同促成了亚文化对主流文化的前所未有的戏谑和嘲讽,且全面挑战并影响着当代艺术实践。本届纽约新美术馆三年展联合策展人Ryan Trecartin,作为这一时代背景下涌现的突出艺术家之一,其影像作品仿佛数字化世界中的狂欢,幽默地记录下它的嘈杂和无序。此次,Trecartin携手同样致力于反映“年轻模式”之种种可能的潮流预测机构K-Hole为本刊特别企划—以展览艺术家作品为创作素材,呈现出最错落有致的当代性:未来已加速抵达,过去被不断重新编排,“后网络” 不是网络之后,而是网络信息化的生活成为现实标配。

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第三届新美术馆三年展开幕之际,艺术正陷入深深的存在危机。在这个危机中, 人与物的关系正在转变,数码世界正无可避免地挑战着美术馆的传统角色,图像的意义不再是再现,而是在线。新一代艺术家与他们的观众们成长在这样一个超链时代里,它充满了与现实的互文,包括那些失效的、错误的链结。从Photo­Shop乃至手机美图插件类的图像处理软件,到Instagram、 Tumblr等散播图像信息的媒体渠道,种种“后期制作”的平台很大程度上决定了我们对于政治、地缘、身份,乃至对于时间本身的体验和参与,如何用符号创造话题也改变了我们推动、干预、反抗种种恢宏或无聊议题的方式。

2015年新美术馆三年展的主题为“环绕观众”(Surround Audience),揭示了策展人和艺术家所共同面对、无法逃脱的媒体网络。我们既彼此是演员也彼此是观众。“网络早已经被艺术创作内化了。” 策展人Lauren Cornell在采访中坦言。作为网络艺术的长期观察实践者,Cor­nell曾运营新媒体艺术的推广出版平台Rhizome。来自25个国家和地区的51位艺术家将整个新美术馆五层空间占满,作品与作品之间没有明显空间区隔—这导致开幕之夜每寸立足之地都挤满了沸腾的、缓缓流动的人群;密集累叠的布局倒也十分贴近我们早已习惯的被多个广告屏幕、桌面窗口和弹幕“环绕”的生活空间。其间密集的讨论会、表演、线上线下出版物系列将展览延展成一种无法穷尽也没必要穷尽的有机体。她的联合策展人、出生于美国得克萨斯州、现居洛杉矶的80后艺术家Ryan Trecartin是超链一代的代表。Trecartin参加过2009年的新美术馆三年展“比耶稣更年轻”。他与Cornell的此次合作策展项目耗时两年半。展览标题“环绕观众”既是对Trecartin作品的肯定—他将录像作品放置在充斥着道具和家具的房间内,用艺术将观众环绕起来—也暗喻着这个监控无所不在的世界。(2012年4月,当Cornell和Trecartin开始筹备本次展览时,爱德华·斯诺登泄密事件正占据着所有媒体的头条。)整场展览的主基调打上了鲜明的Ryan Trecartin 个人烙印。他的影像作品常常在数码生活中狂欢作乐,并与此同时不安地记录下它的嘈杂和无序。Trecartin是最早关注这一主题的艺术家之一,他描绘的互联网世界装腔作势,却充满着娱乐精神。

走入展览,“环绕”之感扑面而来。作品在拥挤的空间中极尽所能地争奇斗艳, 如闪烁的广告屏幕般争夺着观众的注意。有趣的是,作为展览本身的延续,新美术馆三年展的平面海报是一组特别委托的艺术作品:一个卡通药丸胶囊形象出现在巨大的宣传标语“我要三年展一次”(I’ll Triennial Once)、“这次我们真的尽力了”(We Really Tried This Time) 或“资本主义的仇恨”(Hatred of Capi­talism)下,做着一些莫名的举动:狂欢、饮酒、抽烟、晒日光浴……广告的策划者是一个自称为K-HOLE的艺术团体。他们一面对营销战本身进行反讽和批判, 一面满怀热忱、郑重其事地参与其中。去年,这个团体创造了一个新词“norm­core”,原本是对美国日常性的讽刺,却迅速成为一种时尚潮流,并被牛津词典提名进入“年度词汇”。

K-Hole的创始人之一Greg Fong称,三年展的宣传广告探讨了他口中的“后理性时代”。“你只需花一分钟时间看一段超级碗广告,便能知道我们生活在一个被标识和符号浸没的时代,”Fong说道,“但我们没有被这一事实吓到,相反我们歌颂它。即使广告无法吸引人们前来,但或许它能帮助他们理解,艺术机构同样可以充满幽默感。”

本届延续了新美术馆三年展一贯强调的对于当下创作的敏感。但不论是第一届“比耶稣更年轻”还是第二届“无法管制”,所对应的依然是线性的时间:33 岁以下的艺术家;三年前全球经济危机与政治动荡的紧迫议题—这届三年展恰恰暴露了艺术政治性的破产,或艺术介入政治的肤浅和无效。到了“环绕观众”这里,艺术家的生理年龄不再成为限制。Ryan Trecartin称选择的标准不必是刚起步或新兴艺术家,而是那些观念和想法逐渐在更广阔的范围中产生意义的人。

展览呈现出最错落有致的当代性:未来已加速抵达,过去被不断重新编排, “后网络”不是网络之后,而是网络信息化的生活成为现实标配。策展人Lauren Cornell的论述文章从“隐遁的个体”、“侵入性系统”、“艺术嵌入世界”、“没有什么永垂不朽”四个方面探讨阐释主题:“我们被一个由视觉影像、书写、数码营建的社会所环绕。”这是一种几乎每个人都无比熟稔又的的确确很难全面描摹的现实。

这是当代艺术与观众所处的当下最能够接轨的一次—如果你用过Face­book、Tumblr、Twitter或其他社交媒体, 如果你沉迷过某种亚文化,如果你在视频网络上看过竞选演说或目睹灾难杀戮,如果你玩过电子游戏,则并不需要美术史或理论阐释来了解其运作方式和文化效应;甚至只有仰赖这种经验,我们才能够更深刻地理解那些最有洞见的文化批评,并对其进行梳理与判断。从这个意义上说,这也是艺术家和非艺术家之间边界最接近消弭的一届三年展。

Josh Kline为三年展委任制作的大型装置《自由》搭建出一种光怪陆离的现实景观: 长满信用卡的钢管树、身着google设计的警服且异常威猛高大的天线宝宝, 大屏幕上奥巴马正在发表就职演说。但细听之下会发现这一版的演说内容尤为激进和理想主义,长篇累牍地抨击着美国社会的不公、歧视、分裂。细看之下则会发现艺术家将奥巴马本人的面部特征动态地覆盖在原视频演员的脸上。同样的表演在天线宝宝特警肚子上的小屏幕中进行:从Facebook这类社交媒体上随机选择的面孔覆盖在充当群众演员的退休警察脸上,而这些账号原持有者对近期热点事件的评论亦由演员读出。

DIS小组带来了一款从Pinterest上发现的奢侈品牌定制的智能概念家具,外观像某种高端医疗器械,实际上是缓解压力的躺卧式淋浴台兼一体式厨房,不定期有志愿者进行操作演示。这个名为《The Island》的装置占领了整个大堂展厅,成为现场最受欢迎的Selfie照相亭。

三年展开始前,Artspace上已经出现“三年展理论小抄”类的诠释性解读。然而, 在这种种隐喻和符号交织密布的创作中,似乎已经再没有什么地域、文化或政治议题。年轻炫酷的装置、绘画,以及Ed Atkins和Casey Jane Ellison影像中标准的后网络式肖像,在Tumblr上的无名账号中迅速转发着—几乎每一个都无比独特而又无比泛滥,即便被选拔到三年展中,也无法让我们的视线比刷屏时停留更久。对于“环绕观众”而言,注意力是最稀缺的资源,围观是最珍贵的资本。

诗人、艺术家和夜店经理Juliana Hux­table在四幅名为《Universal Crop Tops for All the Self Canonized Saints of Be­coming》的霓虹色照片中搔首弄姿,装扮成留着金色长发的新时代女神和嘻哈舞者。不远处,Frank Benson基于Huxtable 原型创作了一个真人大小、毫无瑕疵的塑料打印雕塑,全身裸体的Huxtable替身侧卧在基座上,以锋利的眼神凝视着观众。在这组似乎在探讨非洲未来主义、网络女性主义和后身份政治的作品前方,是Ed Atkins惊悚的录像作品《Happy Birth­day!!》,充斥着诡异的CGI动画人物— 拥有一份企业工作的白人男性,却尚未完全生成,他们的头部被印上了日期。其中一人呕吐出黑色的胆汁或是石油。相比之下,香港艺术家黎清妍(Firenze Lai)的蜡笔画是全房间里最“冷静”的一部分, 让人想起那些与其他一切共同被遗忘的1980年代德国派油画。

韩国艺术家OnejoonChe长期跟踪朝鲜在纳米比亚、埃塞俄比亚、津巴布韦等非洲国家建立的纪念群雕,并研究这些带有强烈意识形态的公共建筑与所在地之间的矛盾,继而讨论其背后的地缘政治。在展厅中这一系列作品以雕塑(模型)和摄影的形式呈现。

立足巴西的艺术家Daniel Steeg­mann Mangrané的参展作品在外部看来只有一间空房和一副悬自屋顶的全息视镜oculus rift,佩戴上之后方可进入艺术家用点云技术勾勒出的有实体空间感的雨林。在这个全息世界中,你能够以任何视角观察移动,却看不到自己的手脚— 具有血肉感官的人转化为一个具有主观能动性的数据点。

在本届三年展中,类似于oculus rift和扩增实境等过去仅应用于商业领域的技术,已经俨然化身为可供随时取用的现实“后期处理”工具,相比之下,许多雕塑、装置、绘画、拼贴类作品略微相形失色,甚至有种奇妙的古旧感。曾经带有浓烈未来色彩的机械臂、半机械体倏尔呈现出一种怀旧面貌。南斯拉夫艺术家Aleksandra Domanovic的作品《未来在她指尖》呈现了三只材质、功能、姿势各异的机械手,被固定在墙面上却显得蠢蠢欲动。这一状若科幻机甲部件的系列原形来自1960年代南斯拉夫科学家发明的最早一批具有触感的模型,后广泛用作伤兵的义肢。毕竟没有什么比对未来的想象与设计更具有强烈的时代地域特色。

本届三年展对于未来最精彩也最惊悚的展望并不在展厅,而是来自Hito Steyerl 收录在画册中的一篇文章。《垃圾信息化的地球—从再现中撤离》如是论述道:“密集的电波分分秒秒地离开地球……数十万年后,外星智慧在检阅我们当下的无线交流时也许会感到难以置信。因为这些信息中绝大部分是垃圾…… 如果从这堆乱七八糟的信息中重建一种人类形象,那这种形象八成像垃圾广告……袒胸露背、手执经济萧条时期依然坚挺的学位证书、面带牙套矫正术带来的愉悦微笑。

不过,外星智慧或许也会发现建立在加州的互联网信息档案馆The Wayback Ma­chine(时光机),这间档案馆巨细无遗地检索、分类,截取不断滋生或消失的信息发布—例如将军事官员删掉的机密用Twitter提前截图。他们可能还会发现普林斯顿学生设计的在线软件What Would I Say?(我会说什么?)这款应用分析个体账号经年累月在社交媒体上发布的状态,再通过精准的算法模拟个体的用语习惯、政治观点、脾气性格。那个比你更了解自己的言说者,到底是不是你?

在这一届三年展中,没有人比艺术家Oliver Laric更执迷于身份及形象的流动易变,以及变异的潜能。循环播放的无始无终的短片取材不同文化、不同年代的经典动画形象,再用早期静帧动画的方式令它们流畅地彼此幻化,由一种性别无缝过渡到另一种,由一类画风无缝过渡到另一类,由一种时代文化进入另一种,由一个故事无缝迁徙到另一个:流变是唯一的逻辑与恒量。舒缓的钢琴曲汩汩流动。很多观众聚集在这件作品前围观,脸上露出被催眠似的神往。

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